Wuthering Heights de Emerald Fennell aposta em estética vibrante, mas perde força dramática

Emerald Fennell retorna aos holofotes com sua leitura livre de Wuthering Heights, agendada para 13 de fevereiro de 2026. O longa, de 136 minutos, exibe um espetáculo visual repleto de cores intensas e figurinos anacrônicos, porém sacrifica boa parte da carga social que ergue o clássico de Emily Brontë.

Nesta crítica, o 365 Filmes analisa como o elenco liderado por Margot Robbie e Jacob Elordi tenta sustentar um roteiro que prefere sensações táteis a conflitos de classe ou raça, centrais no livro. A seguir, investigamos performances, escolhas de direção e o impacto de um design de produção que divide opiniões.

Atuações: química evidente, conflito diluído

Margot Robbie incorpora Catherine Earnshaw com energia, alternando impulsividade adolescente e gula materialista. Mesmo assim, sua composição raramente convence como uma jovem de 19 anos. A atriz brilha nos momentos de desespero — especialmente quando Cathy pondera entre paixão e segurança financeira —, mas o texto reduz sua tormenta a um dilema de status, deixando a intérprete sem o arco trágico que o romance exige.

Jacob Elordi, escalado como Heathcliff, exibe presença física e leveza de gestos que contrastam com a tradicional ferocidade do anti-herói brontëano. A câmera de Linus Sandgren destaca o porte do ator com close-ups de cicatrizes e suor reluzente, porém a persona brutal nunca se consolida. Sem o histórico de discriminação racial descrito no livro, a amargura do personagem parece vinda do nada, e Elordi se vê preso a um ciúme genérico que pouco ameaça.

Direção de Emerald Fennell: atmosfera sobre substância

Fennell abandona o lirismo soturno das charnecas por um ambiente quase pop. Tons de rosa-chiclete, vermelho sangue e seguido uso de objetos plásticos dão ao longa o aspecto de um romance de banca de aeroporto — escolha que remete ao exagero de Popeye, cujo caos de bastidores também rendeu visuais memoráveis.

Ao priorizar texturas — ovos quebrados em lençóis, unhas rasgando paredes forradas — a diretora enfatiza sensualidade contida e repressão sexual, mas acaba subtraindo a crítica de classe e o componente de violência racial que movem a trama original. A abertura com um enforcamento público sugere ousadia, contudo o filme logo se acomoda em montagens luxuosas embaladas por Charli XCX, carecendo de ameaça real.

Roteiro: reinterpretação que esvazia temas de Brontë

Assinado pela própria Fennell, o texto altera pontos-chave: Hindley desaparece, Cathy renomeia Heathcliff e o preconceito racial some do radar. Consequência direta: a rivalidade social se reduz a mera disputa por dinheiro. Quando Cathy aceita Edgar Linton (Shazad Latif), a tensão não nasce do risco de degradação, mas da pilha de contas vencidas. O espectador perde a dimensão de tragédia coletiva, recebendo um romance frustrado por motivos quase comezinhos.

Além disso, personagens secundários — Nelly (Hong Chau) e Isabella (Alison Oliver) — surgem como vozes irônicas, porém sem profundidade. Oliver, com intensidade quase caricata, entrega o único contraponto vivo à sisudez dos protagonistas, lembrando a vitalidade que se encontra em clássicos de crime listados em filmes impecáveis revistos recentemente.

Imagem: Imagem: Divulgação

Design de produção e trilha: luxo que distrai

O departamento de arte investe em interiores que remetem a casas de boneca, repletas de espelhos e tecidos brilhantes. A fotografia acentua essa plasticidade com névoa artificial nas charnecas, reforçando o contraste entre a natureza crua e o consumismo que seduz Cathy. O resultado é visualmente hipnótico, mas pouco a pouco distancia a narrativa de qualquer realismo emocional.

As músicas originais de Charli XCX sublinham a rebeldia, mas a insistência em letras literais — “I shouldn’t feel like a prisoner” ecoa enquanto Cathy desfila com joias — quebra aquilo que poderia ser uma tensão implícita. A sensação é de videoclip estendido, algo que, curiosamente, dialoga com a abertura sangrenta de Blade, analisada em outra crítica pela forma como o horror moderno usa música para definir tom.

Vale a pena assistir a Wuthering Heights?

Quem busca uma leitura fiel do clássico encontrará aqui uma obra elegante, porém rasa. O enfoque na estética, aliado à diluição dos conflitos sociais, transforma a tragédia gótica em um romance de superfície. Mesmo assim, admiradores do estilo de Emerald Fennell talvez apreciem a ousadia cromática e a fotografia tátil.

O elenco entrega momentos de combustão isolada, especialmente quando Robbie e Elordi dividem a tela. Mas falta ao roteiro a densidade que sustente o turbilhão emocional característico de Brontë. Sem o peso do contexto histórico, a paixão do casal soa como fuga adolescente — impressiona no primeiro olhar, dissipa-se logo depois.

Se o espectador estiver disposto a encarar Wuthering Heights como experimento visual pop, o filme pode entreter. Entretanto, para quem espera a tormenta moral e social do romance original, a adaptação se mostra, como já apontaram algumas análises, “um abject snooze” — bela, porém surpreendentemente inofensiva.